Revista digital de arte contemporáneo

12 exposiciones para recordar 2016

"en Exposiciones"

2016 ha dejado paso a grandes muestras que hemos podido ver en todas las instituciones del territorio español. No cabe destacar todas, por lo que os dejamos una interesante selección de 12 exposiciones especialmente significativas para el arte contemporáneo.


Gabinet. Helena Almeida
Es Baluard (Palma)
19 ene – 04 sep 2016

Es Baluard presenta en el Gabinet una primera aproximación al proceso creativo y la obra de Helena Almeida (Lisboa, 1934), artista presente en la colección a través de  A experiência do lugar. Este formato de muestra concebida para el Gabinet permite ampliar la documentación de piezas significativas del museo, poniéndolas en relación con nuevas obras, a fin de complementar y centrar el trabajo de los autores vinculados a la colección, siempre intentando destacar el papel de la mujer en la historia del arte; en este caso el feminismo irradiado por Helena Almeida, exponente de un proceso de trabajo radicado en lo autorreferencial, el cuerpo y la acción.

La pieza de Helena Almeida perteneciente a la colección es una fotografía realizada en 2001 y se confronta con el trabajo en formato de vídeo A experiência do lugar II de 2004 —realizado para la Bienal de Venecia de 2005—en un continuo intercambio de soportes y experiencias. Así, la relación entre las dos obras presentadas conforma un recorrido creativo esencial centrado en la fotografía y el vídeo desde la propia subversión del soporte, medios que junto a la pintura, el dibujo y la performance, configuran su trayectoria artística, iniciada a mediados de la década de 1960 a partir de la resistencia y la práctica continua como constantes.

Helena Almeida, ‘A experiência do lugar’, 2001. Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma. © de la obra, Helena Almeida, 2016

Glenda León. Cada respiro
CAAM | San Antonio Abad (Las Palmas de Gran Canaria)
En colaboración con Matadero Madrid
29 ene – 22 may 2016

La muestra, comisariada por Christian Domínguez Dietzel, reúne cuatro obras de videocreación que se exhiben en las dos plantas del centro. En concreto, en las salas de la planta baja se muestran tres piezas de vídeo destacadas de su producción: Intermitencia (2000), El enemigo (2007) y Líbido (2001), y en la planta alta se exhibe la gran videoinstalación, Cada Respiro (2015), creada específicamente para Matadero Madrid, que da nombre a la muestra.

Esta pieza audiovisual, Cada Respiro, muestra en cinco grandes pantallas imágenes del mar, el fuego, la tierra o el cielo, que se mueven de forma sincronizada al ritmo de una respiración pausada, e interactúa con el visitante con una poderosa fuerza de provocación participativa. Es una obra que busca no solo dar la idea de la conexión entre las personas y el mundo en el que viven, sino también el potencial que los seres humanos llevan dentro de transformar el mundo, y propiciar así una dosis de optimismo.


Agustín Parejo School. Mal de archivo
CAAC | Claustrón Sur (Sevilla)
30 ene – 22 may 2016

Dentro del proceso de investigación sobre las manifestaciones artísticas que se desarrollaron en Andalucía durante las décadas de los 80 y 90 del siglo pasado, se presenta en esta exposición una visión retrospectiva sobre el trabajo de Agustín Parejo School, experiencia anónima, colectiva, activa y radical que se inició a comienzos de los años 80 y terminó a mediados de los 90 de una manera natural y no premeditada.

Agrupándose de forma orgánica, cómplice y afectiva, Agustín Parejo School no es un grupo o colectivo con fecha de inicio y disolución como algunos otros que surgieron en esa década en el Estado español (Preiswert, Strujenbank), sino que se trataba de personas que se iban sumando a una experiencia vital, un experimento temporal que duró casi 15 años en los que fueron desarrollando una actividad que incidía de manera directa en el contexto social de su lugar de operaciones, la ciudad de Málaga.

Jugando con el lenguaje, ocupando el espacio público de manera temporal, distribuyendo revistas autoproducidas, realizando canciones para discográficas independientes, diseñando ropa semiotizada, insertando piezas en programas televisivos y, cómo no, mediante la organización de exposiciones de pintura, instalaciones y performances, el trabajo de Agustín Parejo School seguía una rica tradición de prácticas colaborativas características de las vanguardias históricas y de las neovanguardias de postguerra. A su vez, también se adelantó a toda una serie de estrategias y modos de hacer política que han tenido lugar 20 años después mediante herramientas como las cuestiones de anonimato/autoría, poética/política o imagen/texto a través de las cuales actuar e incidir en un determinado ámbito social y cultural. Los trabajos de Agustín Parejo School se agrupan aquí configurando una historia que no pretendía serlo y que con el paso de los años ha sido un buen ejemplo de ese otro modo de producir arte en los años 80 y 90 diferente al que en esas décadas triunfó.

AGUSTÍN PAREJO SCHOOL | Du Côte de l’URSS, 1985 | Técnica mixta sobre papel. 177 x 215 cm. | Colección Museo de Málaga
AGUSTÍN PAREJO SCHOOL | Du Côte de l’URSS, 1985 | Técnica mixta sobre papel. 177 x 215 cm. | Colección Museo de Málaga

je, je… luna. Obras. 1979-1997. María Luisa Fernández
MARCO | Salas de exposición de la planta baja (Vigo)
5 feb – 29 may 2016
Un proyecto de Azkuna Zentroa

La exposición se inicia con piezas, objetos y documentos que pertenecen al período de CVA (Comité de Vigilancia Artística, 1979-1985), un colectivo concebido como “empresa artística” puesto en marcha junto a Juan Luis Moraza entre los años 1979 y 1985. Esta selección de obras y documentos surge de la reflexión crítica llevada a cabo por el grupo en torno a los mecanismos de presentación y recepción de las obras, la institución o el sistema del arte contemporáneo. Tras su participación en muestras como Mitos y delitos (Metrònom, Barcelona y Aula de Cultura, CAM, Bilbao, 1985) sus siglas se asocian a lo que se conoce como “Nueva escultura vasca”, un grupo de artistas que se convirtió en referente de las prácticas y los debates artísticos que marcaron la década de los años ochenta en el contexto del País Vasco.

En ese diálogo con un tiempo y una escena concreta —calificada como de “generación sin querer”— se localizan las obras presentes en esta exposición. Primero como parte del colectivo y, tras su disolución, de manera individual, con importantes series de trabajos entre las que se encuentran: Máculas (1984-1985), Leyendas (1985-1986), Melenas (1988), Esculturas rojas (1989), Burladeros (1990) o Corridas (1996-1997). La muestra incluye también Burlas expresionistas (1993) y Artistas ideales (1990-1997), dos instalaciones que reúnen las principales líneas de investigación desarrolladas por la artista en su trayectoria.

María Luisa Fernández | Artistas ideales, 1997 Ensayo nº 41 | Escayola, madera de pino, fotocopia en blanco y negro
María Luisa Fernández | Artistas ideales, 1997 Ensayo nº 41 | Escayola, madera de pino, fotocopia en blanco y negro | Foto: cortesía MARCO Vigo/Enrique Touriño

Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo
MACBA (Barcelona)
13 may – 25 sep 2016

El MACBA presenta esta coproducción entre CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid, ARTIUM, Centro Vasco de Arte Contemporáneo, en Vitoria, el Museo Universitario del Chopo, Mexico y la Ciudad de Mexico, comisariada por David G. Torres y en la que participan más de sesenta artistas, nacionales e internacionales. Es un recorrido por la influencia del punk en el arte actual y se hace eco de la importancia de su presencia como actitud y como referente entre muchos creadores. La exposición comprende instalaciones, rastros documentales, múltiples, fotografías, vídeos y pintura; además, incluye una sección documental sobre los orígenes del punk y sus rastros hasta la actualidad.

Algunas de las temáticas tratadas son el ruido, la negación, la violencia, el nihilismo o la sexualidad. La insatisfacción, el inconformismo, la pérdida de fe en el progreso o la crítica feroz a los iconos del sistema económico y social aparecen en la obra de estos creadores.

Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo | MACBA

Isidro López-Aparicio. La memoria de los objetos. Praxis
Artium | Sala Norte (Vitoria-Gasteiz)
23 may – 17 jul 2016

Las huellas que dejan en la memoria los objetos cotidianos, usados y desechados a la velocidad de nuestro tiempo transformados en obras rotundas en contra el consumismo de nuestro sistema económico y social.

Isidro López Aparicio trabaja con objetos, los rescata, propone arqueologías de lo cotidiano para activar y revisar nuestra memoria cercana. A través de su gestión, recolección, catalogación, reubicación, descontextualización y reinterpretación nos invita a mirar, a acercarnos y a reflexionar de manera crítica sobre los objetos, sobre las relaciones que establecemos con ellos, sobre su vinculación y dependencia de las leyes de mercado y su carácter depredador.

Una propuesta artística donde la antropología de una memoria próxima del contexto se transfiere al Museo para ser transformada en un continuo proceso creativo. La acción, el tiempo, la participación, la herencia y el oficio se articulan para “bucear en el olvido” y mostrar la realidad oculta de un olvido que se hace visible y reconocible al espectador transgrediendo su utilidad inicial y proponiendo un nuevo sentido a los objetos más cotidianos. Los objetos se piensan en su potencial como estimuladores y cómplices de nuevas acciones para conectar al espectador con su pasado y cuestionar su presente de forma consciente y así mostrar un conflicto no resuelto; el autor nos plantea maneras de vida más pacíficas que moderen el violento modo de vida consumista.

Isidro López-Aparicio | La memoria de un gesto | Praxis | ARtium | Fotografía: Gert Voor int'l Holt
Isidro López-Aparicio | La memoria de un gesto | Praxis | ARtium | Fotografía: Gert Voor int’l Holt

Harun Farocki. Empatía
Fundación Antoni Tàpies (Barcelona)
En colaboración con IVAM
2 jun – 16 oct 2016

La exposición Empatía, de Harun Farocki, reúne una amplia selección de películas y de vídeoinstalaciones realizadas por un cineasta, escritor y artista cuya épica influencia lo convirtió en una figura fundamental de la segunda mitad del siglo XX. Un proyecto expositivo de Antje Ehmann y Carles Guerra.

En colaboración con el IVAM, Institut Valencià d’Art Modern, la Fundació Antoni Tàpies presenta la segunda parte de un proyecto que revisa las primeras películas militantes de Farocki de la década de 1960, así como las videoinstalaciones que el artista produjo a partir de 1995. La Fundació Antoni Tàpies presenta una serie de obras emblemáticas que analizan las formas de trabajo que surgen de los modos tradicionales de producción, así como de las exigencias de la producción capitalista que se centra en los cambios en los procesos de trabajo y su representación en las sociedades contemporáneas.

La noción de empatía, tomada de un texto de Harun Farocki, informa la selección de obras que se presentará en Barcelona. Mientras que, desde la década de 1960, el efecto de distanciamiento de Brecht impuso la necesidad de desromantización y objetividad en las prácticas documentales, hacia el final de su vida Farocki advocó que el precioso término “empatía” había sido entregado al enemigo, es decir, al cine de consumo y la industria del entretenimiento. Harun Farocki hizo un llamamiento a su reconsideración y re-apropiación: por Otro tipo de empatía. Consideramos que el uso que hace Farocki, particularmente paciente y alejado de prejuicios, de la cámara, como una herramienta para grabar gente trabajando y en espacios laborales sin interferencias ni manipulación, es una clara prueba de sus cualidades empáticas. Como complemento a esta selección de obras impulsadas por el interés de Farocki en el mundo del trabajo, la Fundació Antoni Tàpies presenta, por primera vez en el Estado español, un proyecto a largo plazo de Farocki, realizado junto con Antje Ehmann: Labour in a Single Shot / Eine Einstellung zur Arbeit (El trabajo en una sola toma).

Harun Farocki | Um gießen. Variation von Opus 1 von Tomas Schmit (Re­vertido), 2010
Harun Farocki | Umgießen. Variation von Opus 1 von Tomas Schmit (Re­vertido), 2010

Colección XIII. Hacia un nuevo museo de arte contemporáneo
CA2M (Madrid)
23 jun – 25 sep 2016

La exposición toma en préstamo el título de la muestra que se inauguró en 1959 en el MoMA de Nueva York y que se llamó Toward the New Museum of Modern Art (Hacia el Nuevo Museo de Arte Moderno). Esta rompía con el montaje en “cubo blanco”, que el MoMA había institucionalizado como forma de ver el arte contemporáneo, y recuperaba el modo abigarrado de instalar de los museos decimonónicos para dramatizar la falta de espacio y la necesidad de una ampliación. Alfred H. Barr, su comisario, utilizaba muy conscientemente los recursos del lenguaje de los dispositivos de exposición.

Colección XIII. Hacia un nuevo museo de arte contemporáneo se apoya en cuatro hitos de la historia de la museografía del arte contemporáneo en Madrid. La exposición comienza con la recreación del montaje del Museo del Prado en 1819, un museo que desde el comienzo dedicó espacio a las obras de artistas vivos, como demuestran sus primeros catálogos. Continúa con el Museo de Arte Moderno, inaugurado en 1898, a petición de los propios artistas de la época que demandaban un espacio propio y con el proyecto no realizado que el arquitecto Fernando García Mercadal hizo para un “nuevo Museo de Arte Moderno” durante los años de la II República y que recibió el Premio Nacional de Arquitectura en 1933; y por último, con la inauguración en 1959 del Museo de Arte Contemporáneo en Madrid y los dispositivos creados para este museo por su primer director, el arquitecto José Luis Fernández del Amo, como la denominada “Sala Negra”.

Vista de la Sala de Isabel II, en el Museo Nacional de Pintura [Museo del Prado] (entre 1875 y 1877).
Vista de la Sala de Isabel II, en el Museo Nacional de Pintura [Museo del Prado] (entre 1875 y 1877). Archivo Ruiz Vernacci. Foto de J. Laurent. Cortesía de la Fototeca del Patrimonio Histórico

Persona. Bene Bergado
MUSAC | Salas 4 y 5 (León)
25 jun 2016 – 8 ene 2017

Desde los inicios de su carrera en los años 90, en la obra de Bene Bergado conviven lo esencialmente humano con lo exógeno o lo ajeno, dando forma a seres improbables generados por hipotéticas y extrañas mutaciones pensadas para reflexionar sobre la condición humana. En sus esculturas todo es simultáneamente verosímil y equívoco, sospechoso y veraz. La complejidad de sus procedimientos de representación, la sutileza en el uso de los materiales y la invisibilidad de la técnica son condiciones indispensables para lograr la ontología de la sospecha, la inquietud vital que habita su universo.

En su práctica artística, inscrita en la larga tradición de la iconicidad escultórica, es muy habitual encontrar las determinaciones y constricciones a las que se ve abocada la persona y las tensiones que genera el desajuste entre lo individual y lo grupal, entre las pulsiones privadas y las normas colectivas, entre una supuesta exacerbación egoísta de la libertad del yo y la repetición de patrones de conducta impuestos por la sociedad de consumo, las grandes corporaciones o las instituciones disciplinarias que, como señalaba Foucault, son la escuela, la iglesia, la fábrica o el hospital. Esas son metáforas que se deslizan en las obras de Bergado para apuntar la fragilidad extrema de lo humano en medio de las tecnologías bio-políticas.

El título de la muestra en MUSAC, Persona, tomado de la película homónima de Ingmar Bergman, hace alusión tanto al yo individual, como a las máscaras con la que ese yo se presenta en sociedad. La exposición, comisariada por Manuel Olveira, supone una incisiva reflexión sobre la relación del sujeto individual con el entorno social, cultural, tecnológico o político, y sobre la imposibilidad de ser y existir fuera de estas esferas.

Bene Bergado | Detalle de Huevos de basura 1 (2015). De la serie HUEVOS DE BASURA (2015)
Bene Bergado | Detalle de Huevos de basura 1 (2015). De la serie HUEVOS DE BASURA (2015) | Instalación, Producción MUSAC | ©VEGAP Madrid, 2016.

Inéditos 2016
La Casa Encendida | Salas A, B y C (Madrid)
1 jul – 18 sep 2016

Las tres propuestas ganadoras de esta edición de 2016 han sido seleccionados por el jurado formado por Ane Agirre, responsable de Prácticas Contemporáneas en Tabakalera (San Sebastián); Pablo Llorca, crítico de arte, director de cine y comisario independiente, y Martí Manen, comisario independiente. Cada uno de los proyectos nos aproxima a una realidad distinta de la creación contemporánea.

Las exposiciones seleccionadas en esta edición son Madrid Activismos (1968-1982), de Alberto Berzosa; Viaja y no lo escribas, de Carolina Jiménez, y Deshaciendo texto, de Irina Mutt.

“MADRID ACTIVISMOS (1968-1982)” Comisario Alberto Berzosa Sala A
“MADRID ACTIVISMOS (1968-1982)” Comisario Alberto Berzosa Sala A

Rosana Antolí
Cuando las líneas son tiempo
Ciclo 2015-2016 del Espai 13 | Fundació Joan Miró (Barcelona)
1 jul – 11 sept 2016

Rosana Antolí (Alcoy, 1981) convierte el Espai 13 de la Fundació Joan Miró en un lugar para la interacción y el descubrimiento a partir del movimiento. Con esta propuesta, la artista rehúye el planteamiento expositivo convencional para presentar un trabajo híbrido sobre la posibilidad de moverse de forma continua en el contexto social, en el que el dibujo mecanizado, la instalación, el vídeo y la acción dialogan en clave coreográfica.

Basculando entre el análisis conceptual y la vinculación emocional, la última exposición del ciclo Cuando las líneas son tiempo recrea los gestos de los cuerpos que aprenden a moverse respondiendo a un sistema de códigos que se renueva constantemente. Una danza particular que se desarrolla en un escenario colectivo y en un tiempo que se revela repetitivo, circular, a veces una línea cerrada que condiciona la acción. La artista se pregunta si, en este contexto cíclico, es posible una reacción continua, un movimiento incesante que permita la huida. En palabras de Martí Manen, comisario del ciclo, «el espacio pasa a ser texto, el gesto nos acompaña y el instante se convierte en una continuación permanente. Rosana Antolí se aproxima al movimiento de los cuerpos buscando aquel segundo antes de que todo caiga […]».

Rosana Antolí | Performance inaugural | Cuando las líneas son tiempo | Espai 13 Fundación Joan Miró | Fotografía: Pere Pratdesaba
Rosana Antolí | Performance inaugural | Cuando las líneas son tiempo | Espai 13 Fundación Joan Miró | Fotografía: Pere Pratdesaba

Trabajo Absoluto. Juan Luis Moraza
MAC (A Coruña)
27 oct 2016 – 5 mar 2017

La exposición critica la implantación en la sociedad actual del concepto de “Trabajo Absoluto”, aplicado indistintamente a cualquier aspecto de nuestra existencia: trabajamos las emociones, trabajamos nuestro cuerpo, trabajamos nuestras relaciones, nuestra imagen e incluso nuestro descanso, convirtiendo la laboriosidad natural en una capitalización instrumental y acelerada de la experiencia. En Trabajo Absoluto, Moraza desconfía del papel que la sociedad atribuye a sus individuos, obligándolos a ser productivos “hasta en el descanso”, y la obligatoriedad de competir en un mercado donde cualquier experiencia es plenamente “cotizable”, siendo considerada una forma de pereza si no contribuye a la riqueza.

Como contraposición, el artista revindica la laboriosidad, la nobleza del esfuerzo, la dedicación, el goce, el cuidado o el amor por el trabajo bien hecho como los valores que sostienen la vida del individuo y que dan sentido al concepto de trabajar, por encima de aspectos puramente económicos o productivos, imperantes en la sociedad actual.

Juan Luis Moraza. Calendario de fiestas laborables, 2016.

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