Conversando con Fernando Gómez de la Cuesta

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Entrevista a Fernando Gómez de la Cuesta


4 líneas sobre Fernando Gomez de la Cuesta

Fernando Gómez de la Cuesta nació en Córdoba en 1976 y trabaja desde las Islas Baleares. Crítico y comisario de arte. Licenciado en Derecho por la UB y Licenciado en Historia del Arte por la UIB. Colabora en publicaciones como ABC Cultural, ART.es, Sublime o DP Magazine. Director del festival de fotografía PalmaPhoto y curador de la Zona Base del Casal Solleric.

Fernando Gómez de la Cuesta en Casal Solleric

_¿Cómo definirías el arte contemporáneo en una palabra?

Lo definiría como una necesidad.

_¿Podrías explicarte…?

Sí, claro, lo defino como una necesidad en lo personal y como algo consustancial e intrínseco al ser humano en lo universal. El arte es una necesidad vital y trascendental, no creo que sea posible definir a la humanidad sin tenerlo en cuenta, somos lo que somos gracias a una serie de características inalienables y una de ellas es esa pulsión esencial por crear y por comprender lo que otros han creado.

_¿Quién decide qué es arte?

No suelo creer en criterios absolutos, así que entiendo que depende del contexto de decisión, de la definición con la que estemos trabajando y del nivel intenso o extenso que queramos aplicar. Creo que, en nuestro ámbito, quienes deciden lo que es arte y lo que no lo es, son los propios integrantes del sistema del arte. Como en cualquier sector especializado los códigos de acceso los marcan los agentes que ya están insertos en su propia estructura: artistas, comisarios, críticos, galeristas, coleccionistas, instituciones,…

Sin embargo, este mecanismo, puede hacer que se confunda la categorización de “qué se considera arte” con su acceso al mercado, a determinadas instituciones legitimadoras, etc., situaciones que, en ocasiones, concurren por cuestiones que podríamos calificar de “extra-artísticas”. Supongo que debe existir una definición más absoluta y trascendente de lo que es arte, pero yo no sé dártela. El paso del tiempo y cómo se ha ido construyendo la Historia del Arte, con sus aciertos, manipulaciones y olvidos, también es otro elemento a tener en cuenta.

El público, sin embargo, es un factor a considerar desde una perspectiva muy extensa, el arte y otras producciones humanas actuales llegan a este “público multimedia” de una forma tan indiscriminada como superficial, un público que “surfea” por los contenidos a una velocidad que impide cualquier profundidad y, por supuesto, cualquier evaluación rigurosa; no me interesa el criterio del “like epidérmico” a estos niveles de consideración, aunque si me parece interesante su estudio a nivel de difusión, también deberíamos entrar a definir qué y quiénes son el público del arte contemporáneo. Además, el arte más actual, la punta de lanza de la investigación y de la reflexión creativa, nunca tendrá un acceso masivo, de hecho, cuando alguna “producción” llega a más público del habitual es cuando el propio sector comienza a dudar sobre la “calificación” que debería tener esa propuesta en concreto.

_¿Qué encargo te gustaría recibir?

La vida del comisario free-lance, en la mayoría de ocasiones, depende más de la propia iniciativa que de los encargos que recibe. De todas maneras, a estas alturas de mi carrera, me gustaría recibir un encargo de largo recorrido, algo que me apasionara y que tuviese las condiciones y el plazo suficiente como para poder dedicarme a ello de manera intensa. Un proyecto amplio donde pudiera aplicar la experiencia que voy asumiendo en la gestión cultural en general y en la producción de propuestas de arte contemporáneo en particular. Un proyecto desarrollado en libertad sin injerencias políticas, que considero uno de los lastres más evidentes con los que cuenta nuestro sector y que nos precariza continuamente, una propuesta que me aporte y con la que seguir creciendo… en fin…¡Casi nada!

_Un comentario sobre tu trabajo que te haya gustado…

Bueno, he tenido la suerte de encontrar retornos muy positivos de gente con la que trabajo y a la que admiro. Quizás una de las cosas que más puede emocionarme es cuando algún artista, tras desarrollar algún proyecto de manera conjunta, me explica la importancia que eso ha podido tener para él y para su discurso creativo posterior, me emociona y me enorgullece. Creo mucho en la figura del curador que “se cuida” de todos los aspectos que pueden darse en un proyecto, creo firmemente en aportar valor a la creación de un artista (que es lo que de verdad importa) desde una perspectiva curatorial, así que ese tipo de respuestas me resultan muy satisfactorias. También es especialmente emocionante cuando personas que han visitado alguna de las propuestas de las que eres parte, y que no te conocen de nada, contactan contigo para decirte lo interesante que le ha resultado tal o cual aspecto. En una sociedad de consumo ultra-rápido sin apenas tiempo para el retorno, cualquier respuesta de ese tipo me parece muy positiva. Quizás uno de los grandes males que padece nuestro sector son las ganas permanentes de hablar mal sobre el trabajo de los otros, en muchas ocasiones de una manera vacía, hueca, más preocupados de criticar lo que emana de los que no pertenecen al “clan” que en esforzarse en realizar de la mejor manera posible lo propio, una falta de rigor y de solidaridad que sólo tira piedras sobre nuestro propio tejado. También debo decir que hay bastantes excepciones maravillosas a todo esto y, con alguna de esas maravillosas excepciones, tengo la suerte de trabajar.

_Un agente artístico que esté haciendo un buen trabajo actualmente…

¡Uf! ¡Muchos! ¡No podría quedarme sólo con uno! Me siento muy cómodo trabajando en largo recorrido con artistas como Carlos Aires, Santiago Morilla, Avelino Sala, Amparo Sard, PSJM, Simon Zabell, Cyro García o Verónica Ruth Frías. Para mí hubo un antes y un después tras empezar a colaborar con Javier Vallhonrat, su capacidad y su autoexigencia me hicieron crecer mucho mientras trataba de devolverle parte de todo lo que yo estaba recibiendo. Tener el privilegio de estar a su lado es un aprendizaje continuo. También fueron muy importantes para mí los proyectos construidos junto a Ana Laura Aláez o Guillermo Mora, dos creadores extraordinarios. De los artistas que tengo más próximos, con los que he crecido, me interesa especialmente el descarnamiento y la perspectiva crítica y certera de Marcelo Viquez. Entre los compañeros de profesión también encuentro intereses compartidos y conexiones con el trabajo de muchos de ellos, pero si tuviera que destacar a uno, este sería Pau Waelder, su rigor, su capacidad de análisis y su conocimiento, sobretodo en lo que se refiere a los nuevos medios, hace que sus textos y sus proyectos me resulten muy atractivos, además me encuentro muy cómodo trabajando con él cuando coincidimos en alguna de las propuestas que hemos desarrollado juntos.

Siempre me ha fascinado ese meta-texto inabarcable que sigue construyendo Fernando Castro Flórez y la capacidad pedagógica, explicativa y de tejer redes de Javier Duero.

También me gustaría, desde mi propio contexto que es el de las Islas Baleares, romper una lanza a favor de las galerías de arte de mi comunidad, creo que, por encima de cualquier otro agente artístico, son los que han llevado el peso y la iniciativa de la programación vinculada a lo contemporáneo: La Nit de l’Art, el Art Palma Brunch, PalmaPhoto, la programación continua de sus propios espacios… un esfuerzo desde la iniciativa privada que creo que se debe poner en valor. Hablo de galerías muy consolidadas como Pelaires, Xavier Fiol, Maior, Horrach-Moyà o Kewenig, pero también proyectos más recientes como L21, Addaya, La Caja Blanca, Fran Reus o ABA Art.

_¿De qué artista te gustaría tener una obra?

No me considero coleccionista pero guardo alguna pieza de casi todos los artistas con los que he trabajado y alguna adquisición fruto de la pasión, pero no tengo un plan, ni una línea, ni un objetivo. Me encantaría tener alguna obra de creadores a los que admiro, pero creo que ya no voy a llegar a tener el presupuesto necesario… sería genial tener algo de Teresa Margolles, por ejemplo. Quizás sea más razonable (y realista) apostar por los artistas jóvenes. Sin ir más lejos, vinculados de una manera u otra a Baleares, hay una nómina muy interesante, algunos de ellos con cierta trayectoria realizada: Irene de Andrés, Joan Bennàssar, Arantxa Boyero, Lara Fluxà, Bel Fullana, Javier Garló, Adrián Martínez, Nauzet Mayor, Julià Panadès, Natxa Pomar, Marta Pujades, Antònia del Río, Isabel Servera, Las tAradas, Laura Torres Bauzà, Damià Vives, Ian Waelder…Todos nacidos a partir de los 80 y alguno de ellos en los 90… Una selección amplia (y seguro que me dejo unos cuantos) que deja en evidencia la buena salud creativa a pesar de la dificultad de los tiempos.

_¿Qué piensas del sistema artístico español en la actualidad?

Es un sistema en precario. Es muy difícil vivir profesionalmente de nuestro trabajo. Partimos de un sistema formativo deficitario, educaciones primarias y medias donde se ningunea todo lo que tenga que ver con el arte en general y con la creación contemporánea en particular. Una universidad que no es cabeza de nada, endogámica, sin capacidad de regenerar a su profesorado y sus contenidos. Un sector económico donde no se reconocen los roles profesionales y su correspondiente remuneración. Unas instituciones que apoyan escasamente y, en muchas ocasiones, de forma equivocada, a sus creadores. Un IVA sangrante, una cuota de autónomos salvaje, falta de incentivos ciertos al mecenazgo…En fin, no sigo, pero con todo eso debemos lanzarnos a competir en un mercado que es de alcance global. ¡Es de locos!

_¿Podríamos decir que refleja la sociedad actual?

Sin duda, un sistema en precario que es el reflejo de una sociedad en precario, y no hablo sólo de la crisis económica porque eso, en este caso, lo considero más un efecto que una causa. Hablo de que los cimientos nunca se construyeron de manera sólida, no se consolidaron, y sobre esa base es difícil construir algo verdaderamente interesante y riguroso, luego llegan crisis como la que atravesamos y ocurre lo que ocurre.

_¿Se está confundiendo el arte con el mensaje?

El arte debe ser un espacio de resistencia y de creación. Debe contener. Debe ser una toma de posición. Hoy por hoy no concibo la existencia de un arte inocuo e indolente. Además, el arte, es una manera de expresarse, de contar la realidad, otras realidades, de dar nuevos puntos de vista, de entrar en contradicción y, como tal, debe tener un mensaje (una palabra que no termina de gustarme). Obviamente no todos los mensajes son arte, pero es evidente que el arte debe tener un contenido.

_¿Cómo ves la situación del mercado español de arte contemporáneo y cuál es la posición del coleccionismo?

Pues con las coordenadas socioeconómicas y estructurales que te comentaba anteriormente ya te puedes imaginar como lo veo. En comparación con otros ámbitos el mercado español de arte contemporáneo es prácticamente inexistente y absolutamente precario. Una pena. Con la quiebra de las instituciones y, en muchas oportunidades, con su falta de dirección y tino en sus estrategias, el coleccionista se ha convertido en el elemento esencial de nuestro sector, es el que posee el margen de maniobra, la movilidad y la posibilidad, es una pieza clave.

_Una institución pública indispensable…, y un espacio privado…

La institución pública referente es el MNCARS. También está haciendo una gran labor Artium con Daniel Castillejo al frente y creo que se abren unas expectativas interesantes con las recientes incorporaciones de Santiago Olmo en el CGAC y Ferran Barenblit en el MACBA. Omar Pascual Castillo dejo el listón alto en el CAAM y quedan direcciones de espacios interesantes por cubrir como la plaza de Laboral.

Sobre los espacios privados, pues hay mucha gente haciendo una labor interesante, tengo ganas de ver como se sigue desarrollando la nueva etapa de Pelaires en Palma, me gusta mucho el criterio, la selección y el trabajo que aplica Miguel Ángel Sánchez en los proyectos de ADN, la lucha desde la periferia de la periferia de Addaya, ubicados en un pueblecito de Mallorca como Alaró, o la de Aural en Alicante, o propuestas más atípicas como los Encuentros de Genalguacil, o Scarpia…Se me ocurren muchos ejemplos de estos proyectos creados por personas luchadoras que no tienen el foco de la gran capital.

_¿Qué líneas de comisariado se están siguiendo actualmente?

Estoy más concentrado en mis propias investigaciones que en examinar cuales son las líneas de comisariado que se están siguiendo. Me gusta estar en contacto con otros compañeros y conocer de primera mano sus proyectos, pero no sé si sabría entresacar unas líneas maestras de lo que se está haciendo. Lo que si que detecto son ciertos ámbitos de actuación curatorial más o menos recurrentes como la búsqueda del posicionamiento, de la perspectiva crítica, de la acción y de la resistencia, o el interés por el archivo y la documentación o, en otros casos, una nueva búsqueda formal de la belleza por ella misma. Cada vez hay más propuestas de construcción colectiva desde su génesis y eso me parece una expresión muy certera de por donde van los tiempos.

_¿Qué supone hoy la crítica?

Creo que la dotación de reflexión crítica en los proyectos, bien sea por parte del propio artista, bien sea por parte del crítico o comisario, es esencial. Las propuestas siguen creciendo en profundidad conceptual y considero que la aportación textual y crítica sobre ellas es muy importante para completar, estimular y debatir sobre el objeto de investigación de cada proyecto. Es cierto que la enorme apertura en el acceso a la información y a la opinión, con todos los efectos positivos que esto genera, también ha abierto la puerta a muchos opinadores poco rigurosos que pueden llegar a interferir en las propuestas. Ahora la dificultad ya no está en el acceso a esa información si no en elegir los criterios para la selección de la misma.

_¿Alguna buena noticia vinculada al arte?

Que, a pesar de todo y pongámonos como nos pongamos, seguirá existiendo.

_A una gran mayoría no le gusta el arte contemporáneo porque le resulta difícil de entender…

Como comentaba antes el arte más actual e innovador nunca tendrá un acceso masivo. Somos un sector muy concreto y debemos ser conscientes de que nuestro alcance, en muchas cuestiones, será limitado. De todas maneras creo que debemos ser los profesionales del arte contemporáneo quienes tengamos la diligencia de empatizar con los diversos públicos, habilitándoles e intermediando en las diferentes posibilidades de las que ellos quieran disponer.

_¿Cuál es el papel del público en la actualidad?

Eso, en parte, también lo hemos comentado anteriormente: el público es un factor a considerar desde una perspectiva muy extensa y deberíamos entrar a definir qué y quiénes son público en nuestro sector. De lo que no me queda ninguna duda, y esto creo que es aplicable al arte contemporáneo y a otros muchos ámbitos, es que al público se le exigirá, cada vez más, una participación activa y una mayor implicación.


Fernando Gómez de la Cuesta ha comisariado exposiciones de artistas como, entre otros, Carlos Aires, Irene de Andrés, Martin John Callanan, Verónica Ruth Frías, Cyro García, Jerôme Leuba, Santiago Morilla, PSJM, Avelino Sala, Javier Vallhonrat, Guillermo Mora, Simon Zabell o Ana Laura Aláez. Entre sus últimas propuestas de carácter colectivo destacan “El llano (sigue) en llamas” (Casa Purcell, Saltillo, México, 2015 y MUCA Roma, México DF, 2015), “Tabula Rasa” (Es Baluard. Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma, 2014; MUU, Helsinki, 2014 e Hilvaria Studios, Tilburg, Holanda, 2015), “Postgraffiti” (BetArt, Calvià, Mallorca, 2014), “Bastard Painting” (Art:i:curate, Londres, 2014) o “High Society” (CCC. Pelaires, Palma, 2013). Recientemente ha comisariado el I Festival de Arte Contemporáneo de Saltillo (Coahuila, México).

Comentarios

1 Comment

  1. Es el “Arte” un concepto o toma de posicion?Creo que se nace con la ilusion-pasion, y con el paso del tiempo se llega a la autentica propia intencion, y mientras tamto se juega con los elementos y el hueco de muestra existencia.

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