El inconsciente pictórico

Un diálogo entre la colección de videoarte de la Fundación Sorigué y la colección del Museu Nacional d’Art de Catalunya

En el marco del Loop Barcelona, el MNAC | Museu Nacional d’Art de Catalunya y la Fundación Sorigué exponen 12 obras de destacados videoartistas contemporáneos en diálogo con obras de la colección del museo. La muestra El inconsciente pictórico, organizada por Loop Festival, Fundación Sorigué (que se ha incorporado recientemente al patronato del Museu Nacional) y Museu Nacional d’Art de Catalunya, ha sido comisariada por Javier Panera Cuevas, quien ha seleccionado los siguientes trabajos que se podrán ver desde el 26 de mayo al 30 de agosto de 2015.

Obras de la Colección Sorigué que forman parte de la exposición

  • Bill Viola. The return, 2007
  • William Kentridge. Tide Table, 2003-2004
  • Mat Collishaw. The end of innocence, 2009
  • Mat Collishaw. Women under the influence, 2009
  • Marco Brambilla. Civilization (megaplex), 2008
  • Ger Van Elk. Birds flying a drawing, 2004
  • Jacco Olivier. Return, 2007
  • Jacco Olivier. Poison, 2007
  • Marina Alexeeva. Prison, 2011
  • Marina Alexeeva. Bath, 2011
  • Elisa Sighicelli & Marzia Migliora. Pitfall, 2004
  • Gregory Scott. Fabrication, 2010

Itinerario en la colección del Museu Nacional d’Art de Catalunya

  • Sala 9. Santa María de Taüll (Bill Viola)
  • Sala 45. Ámbito I. El retrato burgués (Mat Collishaw)
  • Sala 52. Paisatge 2. Impresionismos (Ger Van Elk)
  • Sala 54. Ámbito II/15. Modernistas en Barcelona (Marco Brambilla)
  • Sala 61. La casa modernista (Jacco Olivier)
  • Sala 70. Noucentisme y Mediterraneismo (Marina Alexeeva)
  • Sala 76. Vida moderna (Elisa Sighicelli & Marzia Migliora)
  • Sala 78. Arte y guerra civil (William Kentridge)
  • Tienda. (Gregory Scott)

El proyecto se inscribe en la línea de trabajo que el Museu Nacional lleva a cabo con creadores contemporáneos, como hizo anteriormente con Perejaume, abriendo las salas del museo a sus obras, siempre en diálogo con la colección.

Gregory Scott | Fabrication (2010)
Gregory Scott | Fabrication (2010)

Aunque la imagen en movimiento y la pintura no representan el espacio y el tiempo de la misma manera, en una parte significativa de la producción videográfica realizada desde los orígenes de este soporte hasta la actualidad aflora una suerte de “inconsciente pictórico” que se convierte en principal leitmotiv de esta exposición.

Iluminación, color, composición, iconografía o puesta en escena, nos informan de un vocabulario compartido entre la pintura y el videoarte, que alcanza grados de conexión sorprendentes en el trabajo de algunos videoartistas presentes en la Colección Sorigué, como Bill Viola, William Kentridge, Marco Brambilla, Mat Collishaw, Jacco Olivier, Ger Van Elk o Marina Alexeeva, cuyas videocreaciones establecen un diálogo retroactivo con algunas de las obras más destacadas de la colección del Museu Nacional d’Art de Catalunya.

El director de cine Erick Rohmer lo planteaba de forma tajante: “Toda organización de formas en el interior de una superficie plana, deriva del arte pictórico” y Nam June Paik, uno de los pioneros del videoarte, lo expresó hace ya más de 40 años de forma equivalente: “De la misma manera que el collage ha sustituido a la pintura al óleo, el tubo de rayos catódicos sustituirá al lienzo.

En un sentido análogo, el crítico y cineasta Jacques Aumont insistía años después en que “la historia del cine, por lo menos desde que se convirtió en apto para ser pensado como arte (…) no tiene sentido si se separa de la historia de la pintura”.

En algunos trabajos de los artistas presentes en esta exposición el movimiento fílmico está retenido, o más bien “suspendido” por una suerte de “temporalidad pictórica”, de manera que sus imágenes se construyen como si se tratara de cuadros autónomos, mediante largos planos fijos en los que los movimientos de las figuras se producen de un modo tan ralentizado, que a veces resulta casi imperceptible, por lo que podríamos hablar de tableaux vivants en la misma medida en que otros citan composiciones, motivos iconográficos y puestas en escena que derivan de la pintura mural medieval, renacentista o decimonónica.

Hablamos pues, de una historia de paradojas ya que los nuevos monitores LCD y las pantallas de plasma extraplanas están abriendo todo un nuevo abanico de posibilidades a quienes intentan “reinventar” la idea de “cuadro” como “pintura en movimiento”, para unos, o como “video-objeto”, para otros, aunque con ello regresen nada menos que a los tiempos del “cuadro transportable”, tal y como se entendía a finales de la edad media.

Se plantea, de este modo, una reflexión sobre las relaciones entre los dispositivos electrónicos de registro y edición de imágenes y los procesos de creación en pintura, que revelan mecanismos tales como la diferencia entre “tiempo de la historia” y “tiempo del relato” que en estas piezas se equiparan, forzando al espectador al placer -ya casi olvidado- de la contemplación.

Ésto no impide que en todas y cada una de estas obras también se deslicen contenidos críticos de orden político, social o cultural, plenamente imbricados en la contemporaneidad.

Habría que dar la razón, en consecuencia, a quienes señalan que hoy las artes visuales se han convertido en el lugar común de una “pictorialidad difusa” en la que ya nada es exactamente fotografía, ni exactamente pintura, ni exactamente vídeo, sino simplemente “imagen”, y es de hecho, ese valor polisémico y deconstructivo de las imágenes el que ha servido en los últimos años para la reformulación de los géneros pictóricos tradicionales, así como para sedimentar las distintas estrategias de hibridación características de la producción artística actual. En este sentido, esta exposición no debe ser vista como un síntoma de retorno a las fuentes de la historia del arte, como a la era de la circulación promiscua de la imagen, aquella que sabe que sólo puede ser ya “imagen de otra imagen”.

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