Transmissions from the Etherspace

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Transmissions from the Etherspace
Comisario: João Laia
La Casa Encendida


Con la muestra Transmisssions from de Etherspace, La Casa Encendida de Fundación Montemadrid afianza una nueva línea expositiva que arrancó en 2015 con la exposición Contando con la gente de Neïl Beloufa a la que le siguió un año después Priority Innfield de los norteamericanos Lizzie Fitch y Ryan Trecartin. Este proyecto pretende seguir ahondando en una realidad contemporánea que cada día está más sometida a la potencia de las tecnologías y analizar cómo se integran todos estos nuevos datos en la vida diaria. Es un contexto que ha irrumpido en todos los ámbitos de la naturaleza humana y que, a medida que se expande, va diluyendo los límites entre el mundo real y el imaginario de lo digital. Para entender el presente es preciso poner el foco en los sistemas de información digitales, sus excesos y los nuevos lenguajes surgidos en la era internet; la relación del individuo con las pantallas, las imágenes y las nuevas formas de representación; y todo lo referente a las fuerzas inconscientes y los algoritmos que dominan la cultura contemporánea.

Eddie Peak. Head, 2016. Performance
Fotografía: Matthew Placek. Cortesía de Jeffrey Deitch Inc

 

Por este motivo, en Transmissions, La Casa Encendida se presenta como una interfaz en la que los diferentes temas se superponen y circulan, provocando una contaminación entre el espacio y las obras de arte que se pone de manifiesto con las disonancias que la tecnología ha incorporado en nuestras experiencias y rutinas diarias.

Calendario de Performances

4 de mayo
Présage, de Hicham Berrada y Laurent Durupt
20.30 h, Sala E

5 de mayo
Corpsing, de Eddie Peake en colaboración con Emma Fisher, Gwilym Gold y Kieram Corrin
Mitchell
21.00 h, Patio

Living Metals, de Joana Escoval y Robin Watkins con “The Luminiferous Aether”
21.00 h y 21.30 h, Patio

En la performance Living Metals, las esculturas a pequeña escala de Joana Escoval, conectan físicamente al público con una experiencia sonora inmersiva, The Luminiferous Aether de Robin Watkins, en la que se documentan grabaciones de campo de las radiaciones solares. La experiencia irá acompañada de una proyección.
El punto de partida de Joana Escoval (Lisboa, Portugal, 1982) deriva de una estrecha relación entre cultura y naturaleza, surgida de una organización académica en deuda con el dibujo como disciplina. Sus trabajos se desarrollan dentro de una diversidad de medios, meditaciones y revisiones que pueden dar lugar a otras formas de razonamiento que la lógica científica no provee. En la trayectoria de Escoval destacan trabajos como Whirlpools (2014), Mother Wild, Halfhouse (2011), De tempos a tempos a terra treme (2011) y Where in the entire world (2010).

Exposición

Jacolby Satterwhite

Jacolby Satterwhite retrata un mundo virtual en el que mezcla fantasía con videos que contienen vivencias personales.

La obra Domestika que estará presente en La Casa Encendida aborda el concepto de utopía desde otro enfoque y se expande más allá de las nociones asentadas de belleza. Como todo el trabajo de Satterwhite, Domestika va del amor, la pérdida y la destrucción. La pieza está inspirada en el cierre de “Spectrum”, un club nocturno donde se reunían jóvenes queer y colaboraban entre ellos. Junto con la música de Nick Weiss y la letra escrita por la madre del artista, Domestika reaviva la sala Spectrum y preserva una memoria sobre ésta.

Jacolby Satterwhite, Domestika, 2017. The Artist and LUNDGREN GALLERY

 


El vibrante trabajo de Jacolby Satterwhite (Columbia, Estados Unidos, 1986) evoca el escapismo del Afrofuturismo y sugiere una realidad virtual cuasi utópica. Combina la performance, la animación y los recuerdos personales. Sus videos y performances se construyen a partir de productos para el hogar o cosméticos que su madre esquizofrénica imaginó y esbozó. Satterwhite traza estos objetos y los incorpora a un mundo virtual lleno de videos familiares y grabaciones del artista bailando con trajes brillantes y ajustados. Según el artista norteamericano, existen límites sobre lo que se puede hacer con los objetos, que contienen historia, política y todo tipo de ansiedades.

 

Sophia Al Maria

Celia Hempton

Celia Hempton trata los afectos, la sexualidad y las nuevas vías que tiene el ser humano para relacionarse. En la serie de Chat Random ha pintado los retratos en vivo mientras utilizaba la web chatrandom.com, una red social que facilitaba la comunicación aleatoria con otros usuarios de la página. Hempton conoce a gente desconocida y les pide que posen para ella. Chatrandom.com surgió como una alternativa que pretendía fomentar las relaciones humanas, pero ha acabado siendo un punto de encuentros sexuales fortuitos.

 

Nina Beier

A Nina Beier le interesa la relación ambigua entre los objetos y su representación, llevando al límite del absurdo la relación entre lo digital y la realidad física. En obras como Sweat no Sweat o Female Nude, Beier trata cuestiones sociales y políticas de la representación y el intercambio, poblando momentos de conflicto y correlación. Rastrea las intrincadas relaciones entre los objetos y las imágenes en un contexto en el que la mediación transforma las cosas en representaciones y viceversa, y las imágenes incorporan o descartan sus referentes para convertirse en objetos diferenciados por derecho propio.

Shahryar Nashat

Shahryar Nashat muestra en la obra Present Sore un retrato del cuerpo del siglo XXI. Según el artista, es una forma sintética cuya sensualidad es producto de la combinación de sustancias orgánicas y artificiales: ropa, tecnología protésica, productos farmacéuticos y dinero que Nashat agrupa de forma general bajo el término prótesis.

Emily Wardill

En sus cortometrajes y largometrajes, Emily Wardill expone historias fantasmagóricas con temas como la enfermedad mental, la religión, el arte contemporáneo o la cultura visual.

Inspirándose en el cuadro de Dorothea Tanning Some Roses and their Phantoms (1952) y su espeluznante presentación de objetos en estados intermedios, Wardill realizó I gave my love a cherry that had no Stone, una película que tampoco se deja definir. La arquitectura del auditorio Gulbenkian de Lisboa, sus colores y su atemporalidad acompañan en un bucle en el que un hombre vaga por el edificio durante la noche seguido de algo que no es humano. A través del cuidado y la paranoia con los que aborda la imagen digital, la artista investiga la recurrencia del pasado en el presente y vestigios de texturas que anhelan ser tocadas.

Andrew Norman Wilson

 

Pepo Salazar

Hello. It’s me es una columna, de aspecto precario y provisional, disfuncional, que pende en el espacio y que está compuesta por 3 placas de vitrocerámica para cocina y un sistema de sonido. Las placas se encienden y apagan por ciclos, dibujan círculos de un rojo incandescente y producen calor. Los altavoces emiten seis pistas de audio que han sido extraídas directamente de diversos vídeos de youtube. En ellos, se pueden escuchar voces femeninas susurrando; son discursos y sonidos concebidos como ayuda para la ansiedad y el insomnio.

Pepo Salazar, Hello. It’s me (2017). Cortesía del autor

Lo doméstico ha sido invadido por las estrategias de management corporativo produciendo ciclos y fracciones de tiempo de trabajo y de ocio hipnóticos e indeterminados (¿Cuando trabajamos y cuando no?). La retórica del bienestar produce un discurso a-crítico donde la máxima final induce a esquivar los conflictos vitales en su dimensión política. La fragmentación produce un rumor incomprensible y todo es calor artificial.

 

 

 

Comisariada por João Laia (1981, Lisboa) Los proyectos de João Laia exploran las relaciones entre estructuras sociales, tecnología y representación. Recientemente presentó H Y P E R C O N N E C T E D en MMOMA – Museo de Arte Moderno de Moscú (2016), un proyecto estratégico de la 5ª Bienal de Arte Joven y Hybridize or Disappear en MNAC – Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Chiado (2015). Colaboró con instituciones MAAT en Lisboa, Videoex, en Zurich, Parque Lage, en Rio de Janeiro, Moderna Museet, en Estocolmo, DRAF – David Roberts Art Foundation, South London Gallery e Whitechapel Gallery, en Londres. Es comisario del festival Videobrasil, en São Paulo. Escribe regularmente para la revista Mousse y publicó en periódicos y revistas como frieze, Spike Art Quarterly, Flash Art y Público.

 

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