Una aproximación a Trans-Estatua, la muestra de Ana Laura Aláez en Es Baluard

"en Museos"

Trans-Estatua | Ana Laura Aláez
Es Balaurd
18 sept 2016 – 8 ene 2017


Es Baluard acoge la exposición Trans-Estatua de Ana Laura Aláez, la artista de la “Nit de l’Art” de 2016

ana-laura-alaez-es-balaurd

Comisariado por Nekane Aramburu, el proyecto es un dispositivo de reflexión con un fuerte componente performativo y escénico a partir de lo material e inmaterial, lo tangible y lo intangible, la escultura y la performance, lo explícito y lo oculto, la apropiación de la caja de cristal museística y la metafórica.

Uno de los vectores del trabajo es la escultura Trayectoria (Like gold and faceted #1), 2014, que potencia un análisis de la obra de esta artista. El otro es la remisión al acontecimiento como acto fundador, la resonancia de una acción que abre nuevas perspectivas en la investigación de las prácticas artísticas incorporando sonido y movimiento.

El término “Trans-Estatua” remite a los escritos y reflexiones del escultor vasco Jorge Oteiza cuando proponía el paso de la escultura como objeto cerrado en sí mismo a otro tipo de creación mas abierta y ligera, aludiendo a un proceso de desmaterialización, más allá de su aspecto formal.

Con este proyecto constatamos asimismo la trayectoria de Ana Laura Alaéz como una artista que en todo momento ha pensando en crear situaciones escultóricas desde el uso de la escultura o desde la negación de ella.

La sala de exposición es el laboratorio para el cruce entre lo orgánico y lo inorgánico, el vacío, el hueco y la gravedad, las posibilidades materiales de la caja blanca museística convertida en un vector de la exploración.La acción es un bucle suspendido en el espacio-temporal que incita al espectador, en diferentes fases, a abordar la experiencia desde lo visual, lo auditivo y lo emocional.

Primera aproximación a Trans-Estatua:
breve manual para descifrar algunas claves del trabajo de Ana Laura Aláez

  1. Al principio fue la estetización de lo privado. Uso de materiales próximos configurando escenas donde lo cotidiano se sublima. Ficciones alrededor de su propio cuerpo o el de otros. Bolso (1993), por ejemplo, es un readymade compuesto de dos elementos: unos calzoncillos y unas asas de bolso. El consciente abandono de la «estructura familiar» dominada por el cabeza de familia depositado en un objeto. Es un desnudo: tras la apariencia poderosa se encuentra el sujeto débil. La voz de la autoridad reducida a una prenda-harapo.
  2. Lo autorreferencial. El laboratorio de retratos, poses y actitudes, vestimenta y maquillaje («una excusa de escultura» y «una búsqueda de identidades» en plural, dice la artista) es un punto de partida fundamentalmente en su primera etapa.
    Bicéfalas y Firma de autor (1995), Negritas (1997), NY Home series (1998).
    Como método para abordarlo, dirige y configura operaciones de representación ante la cámara muy estudiada y donde no deja nada al azar.
  3. La escultura. Ecos de las tradiciones constructivistas y un sustrato ancestral vinculado a precedentes del origen de Ana Laura Aláez: Cromlech y monumentos que, a su vez, marcaron a la genealogía de donde procede troncalmente la tradición de la escultura vasca: Oteiza, Nueva Escultura Vasca y etapa Arteleku/Facultad Bellas Artes Bilbao.
    La generación inmediatamente anterior fue la de la llamada Nueva Escultura Vasca, de ahí que sea exponente del uso desde el material ligero y el pequeño formato. En este sentido, su obra icónica Mujeres sobre zapatos de plataforma (1992) utiliza accesorios, indumentaria y objetos imposibles.
    La escultura y la arquitectura, el juego de volúmenes radical, abrupto, ya no tienen connotaciones sexuales.
    En su fase actual, el objeto escultórico adquiere una fisicidad, rotundidad y autonomía propia muy relevantes paradójicamente frente alteridades de desmaterialización del mismo.
  4. El personaje-escultura. La performance y el vídeo producido para el proyecto se resumen en ser portador-escultura o energía, forma, apariencia, ritmo.
    Muchas veces, en su trabajo, la propia persona es la peana o a la inversa: es el eje transmisor que activa el espacio o la situación. Sus movimientos son una toma del espacio o una renuncia hacia él, algo que asimismo se evidenció en sus construcciones relacionales donde el monumento es una gran maqueta habitable.
  5. La materia. En sus inicios utilizó objetos simples y disponibles como recurso inmediato, algunos perecederos como el tocado peluca construido a partir de lonchas de jamón o recuerdos próximos que usa y reconstruye desde todos los lugares donde ha vivido o ha sido invitada a crear.
    Empieza a utilizar las chapas desde la exposición, en 2008, «Pabellón de Escultura» en el MUSAC. A partir de ahí, el volumen escultórico adquiere presencia.
  6. El espacio. Sobrepasar la escala, lo expandido y lo relacional.
    She astronauts (1997) le permitió pensar el espacio en términos más complejos. Le sucedieron Mobile studio Prototype for an Artist of the New Millenium (1998), Brothel (1999), Selector de frecuencias (1999), Dance&Disco (2000), las 3 instalaciones de la Bienal de Venecia (2001), Helldisco (2004), Goodbye Horses (2005), Arquitectura de sonido (2006) y Bridge of Light (2008), espacios para el arte y para el uso. Un desprendimiento de lo material, saliendo de la escultura, vuelve a ella.
  7. El espectador-público. Propone experiencias visuales que activan el inconsciente de cada lector de su obra o aquella persona que circula o participa en ella. Vuelve a menudo a plantear proyectos para asociar las complejas relaciones entre público y la obra artística.
  8. El ready made. Su apropiacionismo inicial, lúdico y barroco, se despoja de ornamentos para simplificarse en gestos eficaces y rotundos en su fase actual. Del color a lo monocromo.
  9. La imagen. Capta la fragilidad de un momento, la temporalidad utilizando la cámara bien fotográfica o vídeo. Aura de un momento de brillo concebido desde escenografías y acciones cuidadosamente meditadas.
  10. El vacío es el molde del todo. Quizás en un mismo lugar primigenio se encuentra el punto de partida y en el que actualmente está esta creadora “fuera de formato”. Aunque parece una evolución, o que su obra hoy se perciba de otra manera, realmente los aspectos que han inquietado y estimulado su trabajo creativo se centran en una preocupación sobre la relación de los cuerpos y el espacio que habitamos, en donde dejamos la huella con nuestra presencia pero también con nuestra ausencia.
    La ausencia clona el presente-futuro trasladando la lectura de la obra o instalación hacia un nuevo horizonte metafísico. El eco del acontecimiento.

Nekane Aramburu

Comentarios

Deja un comentario

Your email address will not be published.

*

"Lo último en Museos"

Ideología en reposo

Ideología en reposo Manuel Sáez Espai d’Art Contemporani de Castelló Hasta 14
Ir